2026
하늘 연작, 2025, 장지에 수묵담채, 가변 크기
Sky series, 2025, ink and color on jangji, Dimensions variable
Sky series, 2025, ink and color on jangji, Dimensions variable
2025. 10. 18. – 2025. 11. 09.
부피 (종로구 53-24 옥상, 서울)
서문
그래픽 디자인
사진
설치 도움
최지희
김경수
지윤구
강주홍
김다솔
김해성
이야기의 잘 알려진 결말에서 해는 나그네의 외투를 벗기고 북풍과의 내기에서 이긴다. 그러나 이 승패에 작용한 것은 단지 해의 설득만이 아니다. 차가운 바람이 멈추었고 햇빛이 계속될 것이라는 가정, 겉옷을 벗어 손에 들기로 한 결정, 외투를 벗는 행위에는 나그네의 판단이 개입되어 있다. 어쩌면 이 이야기는 「북풍과 해님」의 힘겨루기가 아니라, 변화하는 해와 바람이 존재하는 길 위에서 변화하는 '나그네의 이야기'로 읽을 수 있다. 전시 <나그네의 외투>는 해와 바람이 있는 옥상을 나그네의 여로에 비유한다. 임채홍이 능동적인 물질로 보는 한지를 매체 삼는 '한지 회화'는 '나그네'가, 그 회화를 '관습으로 바라보는 틀'은 '나그네의 외투'가 된다.
물성과 관념성이라는 두 가지의 성질의 관계는 전시에 걸린 <하늘> 연작에서도 드러난다. 작가는 "이상적 자연관, 원법·준법으로 귀결되는 전통 화론'에 의문을 가진다. 도시화와 기후 위기라는 오늘날의 생활상과 괴리되기 때문이다. 하지만 그럼에도 불구하고 작가는 한지의 물성에 매력을 느낀다. 작가는 <하늘> 연작에서 전통 화론에 따라서라면 여백으로 남겨야 하는 하늘만을 전폭에 담는다. 한지라는 매체가 가진 물질과 관념 사이에서 그가 거부하고 수용하는, 비동의와 동의가 교차하고 충돌하는 관계와, 이를 결정하는 그의 고민이 드러난다. 이러한 고민을 연장해 전시 <나그네의 외투>에서 작가는 <하늘> 연작을 옥상에 "행잉"한다. 전통 화론에서 벗어나, 실재하는 환경의 조건과 상응하며 작품이 변화하는, 다중 시점의 한국화를 그리는 새로운 화법을 실험한다.
이곳에서 <하늘>은 프레임을 벗고 하늘에 걸린다. 프레임이 부여하던 전면성에서 벗어나 온전한 양면으로 거듭난다. 바람에 의해 흔들리고, 다시 구겨지고 펴지며, 변화하는 습도와 온도, 빛과 바람을 만난다. 옥상에 존재하는 하늘과 이곳을 찾은 관객의 움직임에 영향을 받으며 다른 모습으로 변해간다. 쬐는 햇빛에 외투를 벗은 나그네처럼, 자신의 외부와 스스로 관계를 맺으며 영향을 받는다. 옥상 위에서 한지는 더 이상 한국화의 관념적 재료나 회화의 평면이 아니라 햇빛과 바람, 시점과 시간, 그리고 우리의 움직임에 따라 변화하는 '달라지는 장소'가 된다. 변화하는 한지처럼 회화 또한 바람에 따른 미세한 흔들림에 매 순간 구성이 바뀐다. 회화는 결과물이 아니라 진행 중인 장면으로 선다. 역설적이게도, 이곳에서 절대적인 것은, 모든 것은 변화한다는 절대성의 불가능이다.
바람이 부는 순간에는 필요했던 외투가 해가 쬐는 순간에는 짐이 된다. 바람과 해가 무엇인지, 벗겨진 외투가 언제 다시 입혀질지는 모르겠지만, 어쨌든 외투는 입혀진 것이고 따라서 벗을 수 있는 것이다. 나그네와 외투 사이의 가변적인 관계를 보여주는 옥상 위에서 작가를 포함한 우리는 매번 다른 상태의 ‘하늘’과 ‘나그네’를 마주하게 될 것이다. 변화하는 현상과 현상의 이면에서 한지와 한지 회화의 의미를 매번 다시 읽어야 할지도 모른다. “해와 바람과 나그네, 그리고 우리”는 지금 옥상이라는 여로 위에 있다. 외투를 벗기려는 모습을 바라보면서. 벗겨질 외투가 무엇일지 상상하면서. 무엇이 외투를 벗게/입게 했는지 생각하면서.
(서문 중 일부 발췌)
18 October – 9 November 2025
Boofy (Rooftop, 53-24, Jongno-gu, Seoul)
Text
Graphic Design
Photo
Installation Support
Choi JIhee
Kim Gyeongsu
Ji Yungu
Kang Joohong
Kim Dasol
Kim Haeseong
In the well-known conclusion of the story, the Sun strips the traveler of his cloak and wins the wager against the North Wind. However, the Sun's persuasion was not the sole factor in this outcome. The assumption that the cold wind had stopped and the sunlight would continue, the decision to take off the outer garment and hold it, and the very act of removing the cloak all involve the traveler’s own judgment. Perhaps this tale can be read not as a power struggle between the North Wind and the Sun, but as the 'traveler's story'—one of transformation upon a path where the changing sun and wind exist. The exhibition The Traveler's Cloak likens the rooftop, exposed to the sun and wind, to the traveler's journey. The 'Hanji painting'—using Hanji, which Lim Chaehong views as an active material, as its medium—becomes the 'traveler,' while the 'framework of viewing the painting through convention' becomes 'the traveler's cloak.'
The relationship between the two properties of materiality and ideality is also revealed in the Sky series presented in the exhibition. The artist questions the "traditional painting theory that culminates in an idealized view of nature, perspective, and brushwork techniques," as it is disconnected from the realities of today's life, marked by urbanization and the climate crisis. Nevertheless, the artist remains drawn to the physical properties of Hanji. In the Sky series, he fills the entire canvas solely with the sky, a space that traditional painting theory dictates should be left blank. Caught between the materiality and ideality of Hanji as a medium, the intersecting and colliding relationship of his rejections and acceptances, dissents and consents, as well as the contemplation that determines them, are brought to light. Extending this contemplation, the artist "hangs" the Sky series on the rooftop in The Traveler's Cloak. Breaking away from traditional painting theory, he experiments with a new method of painting Korean art with multiple perspectives, where the artwork transforms in correspondence with the conditions of the actual environment.
Here, the Sky escapes its frame and is hung in the actual sky. Stripped of the frontality imposed by the frame, it is reborn as a fully two-sided entity. Swaying in the wind, continually crumpling and unfolding, it encounters changing humidity and temperature, light and breeze. Influenced by the sky existing above the rooftop and the movements of the viewing audience, it continuously morphs into different forms. Like the traveler shedding his cloak under the blazing sun, the work independently forms relationships with its exterior and is affected by it. On the rooftop, Hanji is no longer an ideal material for Korean painting or a flat pictorial surface; rather, it becomes an 'evolving site' that changes according to the sunlight and wind, perspective and time, and our movements. Like the transforming Hanji, the painting's composition shifts at every moment with the subtle tremors caused by the wind. The painting stands not as a final product, but as an ongoing scene. Paradoxically, the only absolute here is the impossibility of absolutes—the fact that everything changes.
The cloak, necessary when the wind blows, becomes a burden when the sun shines. We may not know what the wind and the sun are, or when the shed cloak will be worn again, but regardless, the cloak was put on, and therefore, it can be taken off. On this rooftop, which reveals the variable relationship between the traveler and the cloak, we—including the artist—will encounter the 'sky' and the 'traveler' in different states every time. We might have to constantly reread the meaning of Hanji and Hanji painting amidst these changing phenomena and what lies beneath them. "The Sun, the North Wind, the Traveler, and Us" are now upon the journey of the rooftop. Watching the attempt to strip the cloak. Imagining what the shed cloak might be. Pondering what caused the cloak to be taken off or put on.
(Excerpt from the text)
하늘 연작, 2025, 장지에 수묵담채, 각 187.2 × 129.1 cm
Sky series, 2025, ink and color on jangji, 187.2 × 129.1 cm each
Sky series, 2025, ink and color on jangji, 187.2 × 129.1 cm each
비 오는 하늘, 2025, 장지에 수묵담채, 29.7 × 21 cm
Rainy Sky, 2025, ink and color on jangji, 29.7 × 21 cm
Rainy Sky, 2025, ink and color on jangji, 29.7 × 21 cm
2025. 04. 29. – 2025. 05. 11.
Faction (성북구 삼선교로 78, B1, 서울)
기획
서문
그래픽 디자인
사진
설치도움
임채홍
강주홍
강주홍
김경수
권오열
유형우
임채홍은 한지를 주된 재료로 하여 이에 관한 물성 실험들을 토대로 생동하는 회화적 가능성에 주목한다. 한지에 물과 안료를 스미면서 종이가 이완-수축을 반복함에 따라 동반되는 운동성, 종이를 접었다 펼치는 과정에서 수반되는 잠재적인 공간성, 종이의 앞면과 뒷면을 왕래하며 목격하게 되는 종이의 다면성과 같이 작가가 탐구하는 것은 평면의 본성 일부를 탈각시키거나 일으켜 세우는 데에 있다. 또한 작가가 어떤 형태를 재현하기 위해 따르는 혹은 따르지 않는 종이접기 인스트럭션은 안무가가 무용수에게 전하는 디렉션의 형식과 제법 닮아 있다.
무용수가 팔을 굽히고 펼치고, 무대 위에서 배회하고 정지하는 행위들은 그곳의 환경을 환기하는 것에도 제 몫을 더한다. 신체 움직임이 무대 공간의 규격과 모양을 재고해 볼 수 있는 단서가 되는 것처럼, 임채홍은 '종이'라는 장소를 접었다 펼치는 동작의 시간 동안 나타남과 사라짐의 공간화를 경험한다. 이후 최종적으로 펼쳐낸 임채홍의 평면에는 얽히고설킨 수많은 궤적들이 축적되어 있다. 손안에 종이를 쥐고 동그랗게 말아 구기거나, 반듯하게 접었다 펼친 면과 면 사이 움푹 패인 가느다란 주름에는 보다 짙은 농도로 채색된 '플로어패턴'이 남는다. 다차원적 시점에서 움직임이 작성된 문서처럼 말이다.
전시는 '움직임이 작성'되고 '움직임을 작성'한 두 작가의 기하학적인 문서를 열람한다. 공연이 진행되는 동안 무용수가 무대에서 운용하는 시공을 동시적으로 펼쳐낸 것과 같이 두 작가는 수직선과 수평선에 따라 동작들을 구조화함으로써 움직임의 흐름을 상세하게 기술하고 있다. 아감벤의 용어에 따르면 춤은 '그 어떤 것(whatever)'의 상태이다. 움직임의 다섯 가지 요소-신체 Body, 행동 Action, 공간 Space, 에너지 Effort, 형태 Shape-는 그 무엇과도 조직화될 수 있는 가능성, 여러 종류의 수행을 가능케 할 잠재성을 담지한다. 의심할 여지 없이, 전시에서는 스스로를 숨기지 않는 물질들의 내밀함과 개별의 움직임이 뱉어내는 미세한 소리가 곳곳에 나직이 진동하고 있다. 두 작가의 작업을 연동하며 조형적 형식의 다양한 가능성을 열어다 줄 실마리를 찾길 바란다.
(서문 중 일부 발췌)
2025. 04. 29. – 2025. 05. 11.
29 April – 11 May 2025
Faction (B1, 78, Samseongyo-ro, Seongbuk-gu, Seoul)
Curated by
Text
Graphic Design
Photo
Installation Supoort
Lim Chaehong
Kang Joohong
Kang Joohong
Kim Gyeongsu
Kwon Oyeol
Ryu Hyeongwoo
Link
Using Hanji as his primary material, Lim Chaehong focuses on vibrant pictorial possibilities based on experiments with its physical properties. What the artist explores—the motility accompanying the paper's repeated relaxation and contraction as water and pigment permeate it, the latent spatiality entailed in the process of folding and unfolding, and the multifaceted nature witnessed while traversing its front and back—lies in stripping away or raising up a part of the flat surface's inherent nature. Moreover, the paper-folding instructions the artist follows—or deliberately defies—to reproduce a certain form closely resemble the directions a choreographer gives to a dancer.
A dancer's acts of bending and extending their arms, or roaming and pausing on stage, also play a part in evoking the environment of that space. Just as physical movements serve as clues to reconsider the dimensions and shape of the stage space, Lim experiences the spatialization of appearance and disappearance during the duration of folding and unfolding the site known as 'paper'. In the flat surface that Lim ultimately unfolds, countless intertwined trajectories are accumulated. Within the fine, sunken creases between the planes—whether crumpled into a ball in the hand or neatly folded and then unfolded—a more densely colored 'floor pattern' remains. It is like a document in which movements are inscribed from a multidimensional perspective.
The exhibition examines the geometric documents of the two artists, in which 'movement is written' and who have 'written movement'. Much like simultaneously unfolding the time and space a dancer operates on stage during a performance, the two artists detail the flow of movement by structuring actions along vertical and horizontal lines. In Giorgio Agamben's terms, dance is a state of 'whatever'. The five elements of movement—Body, Action, Space, Effort, and Shape—bear the possibility of being organized with anything, holding the potential to enable various kinds of performance. Without a doubt, the exhibition softly resonates throughout with the intimacy of materials that do not conceal themselves and the subtle sounds emitted by individual movements. By interlinking the works of the two artists, it is hoped that one may find clues that open up diverse possibilities for formative aesthetics.
(Excerpt from the text)
먹구름,
2024, 장지에 수묵담채
Dark Clouds, 2024, ink and color on jangji
Dark Clouds, 2024, ink and color on jangji
비 오는 하늘, 2025, 장지에 수묵담채, 29.7 × 21 cm
Rainy Sky, 2025, ink and color on jangji, 29.7 × 21 cm
Rainy Sky, 2025, ink and color on jangji, 29.7 × 21 cm
2025. 03. 08. – 2025. 03. 21.
초인종 빌라 (성동구 성덕정길 136-22, 101호, 201호, 옥상, 서울)
기획
서문
사진
손지윤
임채홍
하안지
하안지
지윤구
3명의 참여작가는 각각 스트레인지 어트랙터(Strange Attractor)로, 공허한 카오스에서 어떤 질서를 찾는다. 전시가 진행되는 방과 옥상을 주변과 분리하여 바라보고, 소박한 개인주의를 음미하며 사적인 영역을 미술적 장소로 탈바꿈한다. 카오스는 운동의 복잡성과 비예측성 때문에 제어하기 어려운 비선형적인 상태이다. 특히 초기 조건에 매우 민감하여 아주 미세한 차이에도 전혀 예상할 수 없는 결과물을 낳는다. 카오스는 차원이 달라질수록 그 궤적을 달리하며 모양도 변화하게 된다. 여러 주기가 끊임없이 반복되며 3차원의 공간에 복잡한 스트레인지 어트랙터가 나타난다. 스트레인지 어트랙터는 카오스의 존재를 확인하기 위한 한 방법으로, 시간의 흐름에 따라 위치를 지정하였을 때 절대 같은 점을 지나지 않는데, 수렴할 듯한 상황에도 결코 수렴하지 않으며 새로운 공간으 로 튀어 나가게 된다. 3명의 작가는 각각의 프랙탈(fractal)을 통해 서로 다른 방식으로 전시를 구성한다.
임채홍은 한지의 물성을 통해 양립 불가능한 구조를 해체한다. 회화의 여러 구성물 중 하나로 인식되는 한지에 행동력을 부여하고, 다양성을 갖는 도상을 활용해 가능성을 확장한다. 어떠한 규칙에 의해 종이를 접거나 구기는 행위를 반복하고 뒤엉킨 한지를 다시 펼쳐, 규칙을 찾을 수 없도록 화면을 구성하면서 그만의 프랙탈을 만들어가고 있다.
이처럼 질서를 찾기 어려운 공간에서 나아갈 통로를 지정하고 새로운 규칙을 만들고자 성수동2가 에서 처음 진행되는 전시인 《Downtown Noise》는 명징하지 않은 지난한 여정의 첫걸음이다. 공동주택에 대한 기존의 규칙은 해체되며 이전과 전혀 다른 양상을 보게 될 것이다. 복잡하고도 다차원적인 공간에서 시작하는 작은 변화를 통해 큰 결과를 만들고자 한다.
(서문 중 일부 발췌)
8 March – 21 March 2025
Choinjong Villa (101, 201, Rooftop, 136-22, Seongdeokjeong-gil, Seongdong-gu, Seoul)
Curated by
Text
Photo
Son Jiyun
Lim Chaehong
Ha Anji
Ha Anji
Ji Yungu
The three participating artists each function as a Strange Attractor, seeking a certain order within a hollow chaos. They view the rooms and rooftop where the exhibition takes place in isolation from their surroundings, savoring a modest individualism while transforming a private realm into an artistic site. Chaos is a non-linear state that is difficult to control due to the complexity and unpredictability of its motion. It is highly sensitive to initial conditions, meaning that even an infinitesimal difference can yield entirely unexpected outcomes. As dimensions shift, chaos alters its trajectories and changes its form. Multiple cycles repeat continuously, giving rise to complex Strange Attractors within the three-dimensional space. The Strange Attractor is a method to verify the existence of chaos; when tracking positions over time, it never passes through the exact same point twice, and even when it appears to converge, it never truly converges, instead leaping out into a new space. The three artists construct the exhibition in distinct ways, each through their own respective fractal.
Lim Chaehong dismantles incompatible structures through the physical properties of Hanji. He grants agency to Hanji, which is conventionally perceived merely as one of the components of a painting, and expands its possibilities by utilizing diverse iconography. By repeating the act of folding or crumpling the paper according to certain rules, and then unfolding the entangled Hanji once more, he composes the canvas so that no rules can be discerned, thereby forging his own unique fractal.
Seeking to designate a pathway forward and establish new rules within a space where order is elusive, Downtown Noise—the first exhibition of its kind in Seongsu-dong 2-ga—marks the initial step of an ambiguous and arduous journey. The existing rules governing multi-family housing are dismantled, revealing an entirely different aspect than before. Through small changes initiated within a complex, multidimensional space, the exhibition aims to generate profound outcomes.
(Excerpt from the text)
내 발자국이 집을 떠날 때
17개의 하늘, 2024, 장지에 수묵담채, 196.5 × 135.5 cm , 아침 · 낮 · 저녁 전경
17 Skies, 2024, ink and color on jangji, 196.5 × 135.5 cm, morning, daytime, and evening views
17 Skies, 2024, ink and color on jangji, 196.5 × 135.5 cm, morning, daytime, and evening views
2024. 12. 17. – 2024. 12. 23.
경희대학교 미술관 (동대문구 경희대로 26, 4층, 옥상, 서울)
서문
그래픽 디자인
사진
김한울
박수빈
손지윤
임채홍
손지윤
강주홍
지윤구
결코 짧지 않은 시간 동안 학교를 다녔던 우리에게 이곳은 더할 나위 없이 익숙하고도 지루하다. 어쩌면 우리의 첫 번째 전시를 만들어 주었을 이곳에서 두 번째, 세 번째, 네 번째, 그 이상의 전시들을 지나왔다. 나와 함께 동행한 내 작업들은 계속해서 다른 이야기와 모양을 갖추었지만, 이들이 놓인 장소는 늘 변함없었다. 새로운 전시를 만들어보자, 했을 때 다시금 이곳으로 돌아오기엔 우리는 분명 권태로웠던 것 같다.
집이라는 공간에서 우리는 한없이 안정적이지만 또 한순간 무료함을 느낀다. 그럴 때면 훌쩍 이사를 떠나고픈 마음을 뒤로 하고 우리는 조금씩 가구를 옮겨본다. 새로운 러그도 사보고 조명을 바꿔본다. 늘 그 자리에 있던 것들을 이리저리 옮겨보고 나면 자주 들여다보지 않은 곳들을 마주하게 되는데, 그때의 생경함, 낯섦. 그 감각들을 학교로 가져와 전시로 엮어본다.
나의 발자국은 곧 이 집을 떠난다.
이곳을 떠나기 전에, 혹시나 내 발자국이 닿지 않은 곳이 있을까. 몽땅 미술관 밖으로 나온 작업들은 본인이 지금껏 가본 적 없는, 보통의 장소와는 조금 다른 곳들에 자리해 본다. 가장 높은 옥상부터 가장 낮은 창고까지. 미술관은 비어 있지만, 이곳은 그 어느 때보다 가득 차 있다.
우리는 곧 떠날 집과 같은 이 학교에 발자국을 찍어본다.
그리고 이 글을 읽는 당신은 지도를 보며 우리가 이곳에 찍어둔 발자국, 그 위를 밟고 따라간 곳에서, 익숙한 그림자들 사이에 있는 낯선 무언가를 발견할 수 있을 것이다.
17 December – 23 December 2024
Kyung Hee University Museum of Art (4F, Rooftop, 26, Kyungheedae-ro, Dongdaemun-gu, Seoul)
Text
Graphic Design
Photo
Kim Hanul
Park Subean
Son Jiyun
Lim Chaehong
Son Jiyun
Kang Joohong
Ji Yungu
Within the space called home, we feel infinitely secure, yet we can suddenly be overcome by sheer boredom. At such times, setting aside the sudden urge to pack up and move away, we try rearranging the furniture bit by bit. We might buy a new rug or change the lighting. After shifting around the objects that have always rested in the same spot, we encounter the hidden corners we rarely looked into—and in that moment, a sense of rawness and unfamiliarity arises. We bring these very sensations to the school and weave them into an exhibition.
My footprints will soon leave this home. Before departing, I wonder if there is any place my footprints have not yet reached. Spilling out of the museum entirely, the artworks situate themselves in unprecedented locations—places slightly distinct from ordinary spaces. From the highest rooftop to the lowest warehouse. The museum itself is empty, yet this place is fuller than ever.
We leave our footprints upon this school, a home we are soon to leave. And you, who read this text, by looking at the map and tracing the footprints we have left behind—stepping exactly where we have stepped—will discover something unfamiliar hidden amidst the familiar shadows.
2024. 05. 03. – 2024. 05. 12.
경희대학교 미술관 (동대문구 경희대로 26, 1층)
서문
그래픽 디자인
사진
설치 도움
지원
신종민
손지윤
이연재
이재원
임채홍
정수민
강주홍
강주홍
지윤구
왕호용
경희대학교 미술대학
실제로 안정되게 생활하려는 욕구와, 어떤 생활도 결코 '안전하게' 완성되지 않게 하려는 사회적 제약에 의해서나, 혹은 나름대로의 욕망을 통해서 전진하고, 평상시 이상의 실력을 발휘하려는 필요성 간에는 고통스럽고도 이로운 긴장이 항상 존재한다. 덜거덕거리는 삶에서 노동은 우리를 삼켜 영원히 지속될 것만 같고, 미술에서 성취란 것은 지구에서 천왕성까지의 거리에 떨어진 이상 같기도 하다. 팽팽하게 당겨진 현실과 문제적일 만큼 낙관적인 세계를 접촉시키고 연결하기 위해 일상과 노동의 이야기를 불러와 본다.
전시는 '사무실-전시공간' 하이픈의 열린 형태, 서로를 덧씌우는 형태로 이뤄진다. 전시 공간 중앙에는 연구조교실에서 줄곧 사용해온 집기와 컴퓨터 세팅 그대로를 이주시킨 형태로 구성하였으며, 개별 각각의 자리에서 뻗어 나온 생산물(작업)들로 사면의 벽을 채워 조직하였다. 중앙에 놓인 6개의 테이블은 '사무실-스튜디오' 양 항이 매개되고 섞인 공간으로 활용해 일상에서 '(교직원으로서의) 노동-(작업자로서의) 노동'이 필연적으로 연루될 수밖에 없음을 드러내고자 하였다.
미술대학이라는 단일 공간 안에 위치한 이들의 사무실과 스튜디오를 불투명하게 구획하는 것은 수직으로 분할된 바닥과 천장 그뿐이다. 이곳에서 저곳으로 이동하기 위해 전속력으로 달릴 필요도, 지도 앱을 켤 필요도 없다. 우리의 시야는 당연하게도 눈앞에 보이는 것만을 품을 수 있다. 공간을 의심하고, 장소를 해체해 보자. 미술대학관 층과 층 전체가 유리로 구성된 투명한 열린 공간이라면? 수직선과 수평선을 모두 잊어버린 공간이라면? 질문에 화답해, 연속된 판 위에 이질적인 두 프로그램(사무 공간, 스튜디오)를 통합하는 방법을 떠올려 본다. 질서는 불확실해지고 혼성화되어가지만, 이들은 사무노동과 생산노동 양항 어느 쪽에도 유리되지 않기 위해 부단히, 꼿꼿이 균형을 잡으려 움직인다.
17 December – 23 December 2024
Kyung Hee University Museum of Art (4F, Rooftop, 26, Kyungheedae-ro, Dongdaemun-gu, Seoul)
Text
Graphic Design
Photo
Installation Support
Support
Shin Jongmin
Son Jiyoon
Lee Yeonjae
Lee Jaewon Lim Chaehong
Jeong Sumin
Kang Joohong
Kang Joohong
Ji Yungu
Wang Hoyong
College of Fine Arts, Kyung Hee University
In reality, a painful yet beneficial tension always exists between the desire to live a stable life and the need to advance through one's own desires—or due to social constraints that prevent any life from ever being 'safely' completed—striving to demonstrate abilities beyond the ordinary. In this clattering life, labor seems as though it will swallow us and persist eternally, while achievement in art feels like an ideal as distant as the journey from Earth to Uranus. To make contact with and connect this tautly stretched reality with a problematically optimistic world, we summon the narratives of everyday life and labor.
The exhibition takes on the open, hyphenated form of an "office-exhibition space," a structure where the two overlay one another. The center of the exhibition space is configured by migrating the exact furniture and computer setups consistently used in the research assistants' office, while the four surrounding walls are organized and filled with the products (artworks) extending from each individual's desk. The six tables placed in the center serve as a space where both terms—"office-studio"—are mediated and mixed, aiming to reveal that in their daily lives, the "labor (as school staff)" and the "labor (as artists)" are inevitably entangled.
Within the singular space of the art college, the only things opaquely dividing their offices and studios are the vertically partitioned floors and ceilings. There is no need to run at full speed or turn on a map app to move from here to there. Naturally, our field of vision can only embrace what is visible right in front of us. Let us doubt the space and deconstruct the place. What if the floors of the art college building were entirely composed of glass, creating a transparent, open space? What if it were a space that had forgotten all vertical and horizontal lines? In response to these questions, we imagine a method of integrating two heterogeneous programs (office space and studio) on a continuous plane. Although the order becomes increasingly uncertain and hybridized, they move ceaselessly and uprightly to strike a balance, so as not to be isolated from either the term of administrative labor or that of productive labor.
(Un)Folding,2024, ink and color on jangji, Dimensions variable
하늘 연작, 2025, 장지에 수묵담채
Sky series, 2025, ink and color on jangji
Sky series, 2025, ink and color on jangji
2024. 01. 18. – 2024. 01. 28.
갤러리 인 (서대문구 홍제천로 116, 201호, 서울)
기획
서문
그래픽 디자인
사진
임채홍
양기찬
양기찬
김다솔
양이언
전시의 제목으로 채택된 《오버랩 오브제(Overlap Object)》는 참여 작가들(김다솔, 임채홍)의 창작 과정에 있어서 빈번히 반복하는 포개기 방식과 그로부터 파생된 사물의 성격을 함양한 말이다. 이들이 만든 사물들은 2차원의 이미지와 3차원의 입체를 넘나드는 형상을 보여주는데, 평면을 입체로 접었다 다시 펼치는 과정에서 생성된 이미지(임채홍)를 갖추고 있다. 두 작가는 각자의 방법에 있어 재료와 소재를 달리하고 있지만, 이미지를 매개의 수단 이전에 접촉할 수 있는 물질 및 제한된 면적으로 해석하는 관점을 공유하고 있다. 이에 따라 각 작가는 역으로 평면적 오브제의 양가성을 부각함으로써 각자가 주목하는 차원의 물리적 제약을 넘어서고자 한다.
임채홍 작가는 입체에서 평면으로 펼쳐낸 수묵채색화를 고안한다. 그는 붓으로 형상을 그리지 않고, 구겨진 한지에 색을 먹이거나 종이접기로 구획한 면들 위로 채색하는 방식을 고수한다. 이와 같은 형식은 그가 종이를 그림의 바탕이 아닌, 실체가 있는 매스라는 사실을 자각하는 것으로부터 출발한다. 실제 대상을 채색으로 묘사하기보다, 한지를 대상으로 여기고자 덩어리를 주기 위해 구기고 접으며 펼치는 일을 반복한다. 그 과정에서 형성된 주름에 따라 번져간 물감, 그리고 접으면서 분할된 면을 다시 채색하여 최종적으로 추상화와 흡사한 모습으로 둔갑하게 된다. 색이 입혀진 평면 오브제는 관객들에게 온전히 분간할 수 없는 엄숙한 형상으로 비추어지나, 그 정체는 사실 입체로 구축해 보는 과정에서 우발로 주름진 선과 분할된 면이라는 점에서 역설적이다.
이처럼 작가에 있어 공간상의 오버랩은 이미지의 물리적 가변성과 한계로부터 거스르려는 기법으로 통용이 된다. 홀로는 자립할 수 없던 이미지가 여러 다른 이미지들과 포개어지며 실재 공간으로 침투할 수 있게 되고, 그저 얇은 조각에 불과했던 입체물이 깊이를 가늠할 수 없는 추상적 환영으로 전이가 된다. 그리고 이들의 창작물은 차원들의 중첩을 매체 안으로만 머물지 않고, 더 나아가 매체들과 쇼룸의 교차로 다층적 공간성을 이곳에서 형성하려고 한다.
(서문 중 일부 발췌)
18 January – 28 January 2024
Gallery IN (201, 116, Hongjecheon-ro, Seodaemun-gu, Seoul)
Curated by
Text
Graphic Design
Photo
Lim Chaehong
Yang Kichan
Yang Kichan
Kim Dasol
Yang Ieon
Adopted as the title of the exhibition, Overlap Object encapsulates the layering methods frequently repeated in the creative processes of the participating artists (Dasol Kim, Lim Chaehong) and the nature of the objects derived from them. The objects they create exhibit forms that cross the boundaries between two-dimensional images and three-dimensional volumes, featuring images generated through the process of folding a flat plane into a volume and unfolding it again (Lim Chaehong). Although the two artists differ in their materials and subject matter in their respective methods, they share a perspective that interprets the image as a tangible substance and a restricted surface area, prior to being a medium of mediation. Accordingly, each artist seeks to overcome the physical constraints of the dimension they focus on by highlighting the ambivalence of the planar object.
Artist Lim Chaehong devises ink and color paintings that are unfolded from a three-dimensional volume back to a flat plane. Rather than drawing forms with a brush, he adheres to a method of soaking color into crumpled Hanji or painting over the planes demarcated by paper folding. Such a format stems from his realization that paper is not merely a substrate for a painting, but a tangible mass. Instead of depicting actual subjects through coloring, he repeatedly crumples, folds, and unfolds to give mass to the Hanji, treating the paper itself as the subject. The pigments that seep along the creases formed in this process, along with the recoloring of the planes divided by folding, ultimately transform the work into an appearance akin to an abstract painting. The colored planar object is perceived by the audience as a solemn form that cannot be fully discerned, yet its identity is paradoxical in that it is, in fact, composed of creased lines and divided planes that emerge contingently during the process of attempting to construct a three-dimensional volume.
In this way, for the artist, spatial overlap serves as a technique intended to defy the physical variability and limitations of the image. An image that could not stand alone can infiltrate actual space by being superimposed with various other images, and what was merely a thin volumetric piece transitions into an abstract illusion with unfathomable depth. Furthermore, their creations aim not only to keep this superimposition of dimensions within the medium itself but also to construct a multilayered spatiality here through the intersection of the mediums and the showroom.
(Excerpt from the text)
먹구름,
2023, 장지에 수묵담채
Dark Clouds, 2023, ink and color on jangji
Dark Clouds, 2023, ink and color on jangji
공 연작,
2023, 장지에 수묵, 각 100 × 100 cm
Ball series, 2023, ink on jangji, 100 × 100 cm each
Ball series, 2023, ink on jangji, 100 × 100 cm each
(Un)Folding, 2023, 단채널 비디오, 00:13, 루프, 1000 × 1000 px (1:1)
(Un)Folding, 2023, single-channel video, 00:13, loop, 1000 × 1000 px (1:1)
(Un)Folding, 2023, single-channel video, 00:13, loop, 1000 × 1000 px (1:1)